Silvia Plath, conocida por su obra literaria, pintó en varias técnicas.

Me gustó este cuadro titulado “Dos mujeres leyendo”. Me gustó la pared amarilla en el centro, ya que parece que la puerta conduzca al infinito al que la traspase. También me gustó la figura de la derecha, parece que quien contempla la obra está a la vez dentro del cuadro.

Muchas veces en pintura, fotografía y cine debemos ir más allá de lo obvio para comprender por completo el mensaje.

En un libro sobre la vida de Casas, pintor catalán, encontré que el cuadro lo había pintado como homenaje a su padre, que tanto  le ayudó en su carrera artística.

El cuadro refleja un hombre de mirada feroz, nada amigable, detrás, un muro grisáceo y vacío y, en el suelo, un lienzo que no muestra nada porque está girado hacia la pared…

A mi no me parece precisamente un homenaje.

Aquí puedes ver su obra.

Marianne North (Inglaterra 1830 – 1890)

Tuvo una vida acomodada pues pertenecía a la alta sociedad inglesa. Un dia decidió que tenia que hacer algo más y decidió, pues su afición favorita era pintar flores, saldría a pintarlas a plein air. No se conformó con las praderas inglesas y viajó por todo el mundo: Borneo, Ceilán, Jamaica, Seychelles, Australia, Japón, Chile, Ciudad del Cabo… En Brasil pintó 100 cuadros, en India 200.

Amiga de Charles Darwin, su lema era pintar pero no coger y así fue como descubrió para la ciencia dos especies nuevas, algunas llevan su nombre.

Es así como Artes y Ciencias se unen de vez en cuando y así también como alguien, sin rigurosa formación científica, puede aportar su granito de arena.

Al visitar la casa que George Sand compartió con Chopen en Mallorca, la guía explicó que los habitantes de la isla no entendían a aquella pareja que, además de vivir en pecado, se comportaban de un modo tan excéntrico: él todo el día tocando el piano vestido con finas camisas de encaje y ella, vestida con ropas de hombre y fumando puros.

George Sand además de escribir pintó, por gusto y para incluir unos honorarios al vender sus paisajes, retratos y cuadros de flores.

En este delicado retrato de la Condesa de Chinchón se aprecia el detalle en los  reflejos del vestido, que sugiere algún tipo de seda.

Goya, maestro en retrato y en estos detalles cortesanos como atuendos y joyas, supo captar como pocos el reflejo de la luz en estas texturas.

Cuanta más luz, más claridad, aunque el vestido sea todo del mismo color las partes iluminadas lucirán en tonos mucho más claros. Así además, se da volumen a la figura.

En óleo se pinta del tono más oscuro para ir trabajándolo a la vez que se aclara.

En acuarela sin embargo es al revés: se da primero la capa más clara que se oscurecerá allí donde se necesite.

En óleo todo se retoca con pintura, se da un toque blanco, o amarillo o naranja allí donde se necesite más luz.

En acuarela, el único blanco posible es el del color del papel y, alrededor, se pinta para dar los tonos de color y de más oscuridad pues la parte de más luz se deja sin pintar.

Pues no se exactamente si se trata de una u otra cosa. El de la izquierda es el cuadro El reverendo Robert Walker, pintado por Henry Raeburn en 1784 en el que se muestra al pastor de la parroquia patinando, entretenimiento que se puso de moda en la época entre las clases pudientes. A la derecha la portada del libro del fallecido autor Francisco Casavella.

Desde luego en el interior consta la fuente original de la ilustración pero no me gusta que a este cuadro queden asociados el título o la trama de la novela, creo que cada obra se debe contemplar por si misma para ver lo que el autor pretendió sugerir y lo que el receptor ve en la misma.

Leí en un libro de Arte que parece como si el pintor pretendiera expresar el difícil equilibrio que un pastor debe mantener en una comunicad pequeña. A mi me parece que, en la época, el pintor hizo una interpretación moderna de Jesús caminando sobre las aguas. ..

Cada uno hacemos nuestra propia interpretación como la ha hecho también quien haya diseñado la portada.

Benjamín Palencia decía que una paleta con demasiados colores generaría, más que un cuadro, un objeto de decoración, ya que demasiados colores en un mismo lienzo lo hacen bonito pero con poco significado.

Decía además, en su época madura, que en su paleta los colores eran pocos y que nunca usaba ni el blanco ni el negro. Así se pueden entender aquellos campos castellanos aplastados por un Sol implacable, sin un blanco de frescor, los tonos amarillentos y las sombras de un violeta oscuro.

Aquí  puedes  ver parte de su obra.

Entre todos los retratos cortesanos el titulado La familia de Carlos IV tiene un “personaje sorpresa” ya que no habiendo, cuando se pintó, una novia oficial del futuro rey, se pintó una imagen genérica pues, con los años, alguna joven ocuparía el puesto. Ésa es la razón por la que la cuarta figura empezando por la izquierda, no muestre su rostro.

A ésto se le puede llamar previsión.

En pintura se considera infantil dividir el lienzo por la mitad para separar el cielo del agua o de la tierra pero, ¿qué ocurre cuando un genio decide romper las normas?

Modest Urgell Inglada las rompió, se reía de sí mismo y de la crítica presentando sus nuevas obras diciendo “Más de lo mismo”, pintó playas, prados y cementerios y dejó el horizonte en la mitad del cuadro.

Si clicas aquí podrás ver su obra.

Miquel Barceló tomó anotaciones a lo largo de todo el proceso de pintado de la ahora famosa cúpula. Son anotaciones de dos o tres o cuatro veces por semana, en francés, dibujos de los operarios, de las estalactitas, de las mangueras, de las escaleras y plataformas y como no podía ser menos, llenas de color.

Disfruté cada página.